© Marie-Charlotte Loreille

Sophie Taïs
Plasticienne/Scénographe
Eloge de la Différence, Sculpture
Le projet propose une rencontre entre Sophie Taïs dont le matériau d’expression est le carton, et les enfants de cinq écoles élémentaires du 12^e dans le cadre des Temps d’Activités Périscolaires (TAP).
Cette rencontre artistique a pour sujet la lutte contre toutes les discriminations et se finalisera par la réalisation d’une sculpture de grande taille animée et déambulatoire.
Après un travail de réflexion et de prise de conscience du problème des discriminations et des moyens de lutter contre, les élèves sont invités à une réflexion personelles sur une discrimination à laquelle ils sont plus particulièrement sensibles. Chaque enfant fabrique une sculpture, qui raconte l’histoire d’une différence, d’une discrimination qui fait sens pour lui. Dans le même temps, Sophie Taïs a fabriqué une sculpture géante qui porte les créations des enfants.
Le projet est relayé dans les écoles par quatres autres artistes : Marie Colboc, architecte ; Barbara Guillin, plasticienne ; Agnes Filus, designer textile et Elise Klimacek, plasticienne.
Il en résulte une oeuvre collective, une oeuvre d’art.

© Natasha Lacroix et Joris Henne

Natasha Lacroix & Joris Henne
Artistes visuels
A Journey to the Dead, sculpture
Il s’agit du récit d’une Expédition Plastique qui retrace en trois étapes Paris – Mer Morte – Paris, le remodelage d’une sculpture par les forces de la Nature. Ce projet est une aventure, un voyage dans le Temps et dans l’Espace.
PLASTIQUE du grec ancien, « Plastikos » l’art de reproduire ou de créer des formes.
BEAUTY est notre sculpture. Elle représente une Créature chimérique.
Elle a été exposée, nue, à Paris. Puis elle sera acheminée jusqu’à notre destination : la Mer Morte.
Elle y sera plongée et y restera immergée durant plusieurs semaines, laissant à la Nature le soin de la refaçonner par les dépôts de minéraux et les concrétions de sel. Nous la ramènerons ensuite à son point de départ. Où nous l’y exposerons à nouveau, remodelée.
A la fois chimérique, monstrueuse et belle, Beauty traversera les mers à nos cotés. Et nous lui donnorons vie, tout au long de ce voyage.

© Uji Starnel

Sigolène Valax
Compositrice/Plasticienne Sonore
L’arbre aux esprits.
Lorsque nous sommes dans l’obscurité, les sensations enfouies au fons de nos mémoires sont perçues différemment. Paupières fermées, l’auditeur génère par sa danse et ses mouvements, une matière sonore ensorcelée.
Dans l’hantée chambres.
Une femme nous fait revivre les souvenirs d’une Chambre d’Amour et le passé sensuel dont elle a été le théâtre. Le spectateur interagir avec la main pour découvrir la cartographie intime de ce récit érotique.
Serpent Air.
Dans le casque binaural, les serpents donnent à entendre leurs reptations, leurs vibrations. Ils se balancent entre féminité et animalité avec une charmeuse de serpent.

©Matthieu Dagorn

Matthieu Dagorn
Artiste Visuel
Volumessence, Installation.
En 2008 Matthieu Dagorn rencontre le collectif d’artistes 9e Concept et en 2014 il fonde Le Terrier Atelier et inviteThéoopez et Olivia de Bona à partager cette aventure de création et de collaboration.
Parallèlement, Matthieu Dagorn développe son travail personnel. Un enchevêtrement d’éléments affutés caractérise son style. Ces éléments modelés par la lumière créent une variation d’ombres subtiles. Les formes prennent vie, les volutes ondulent dans cette recherche du mouvement.
Depuis maintenant 2 ans, Matthieu Dagorn transpose son imaginaire en volume.
En cherchant à sortir des murs, du papier ou de la toile, il explore une autre dimension à la recherche du mouvement et lui donne vie à l’aide de bandes de papier, de bois cintrés, entortillés et colorés.
Chaque nouvel angle de vue donne une nouvelle vision de l’œuvre. L’abstraction joue son rôle et est à son paroxysme.
Le spectateur devient alors le propre décisionnaire de l’interprétation de l’œuvre.
Depuis 2015, il s’est lancé dans une série de masques, représentant des esprits, des êtres venus de nulle part, de son imaginaire, de l’énergie qu’il perçoit autour de lui.

© Aurélia Nardini

Aurélia Nardini
Artiste Visuel
L’oreille d’or, Installation interactive
Bousculant les situations d’écoute classique, son travail utilise le médium sonore selon les liens qu’il tisse avec un milieu particulier, dans une pratique trans-disciplinaire croisant performance sonore, musique électroacoustique et installation. L’artiste s’inspire des situations et personnes qu’elle rencontre pour créer des espaces oscillant entre documentaire et fiction et collabore par ailleurs à des projets avec d’autres artistes, comme le collectif META (Magie, Ecologie, Technologie et Arts).
L’oreille d’or est un projet sonore présenté sous forme de table interactive s’inspirant du jeu de la bataille navale. Dans un sous-marin nucléaire d’attaque, l’arme la plus puissante est celle de l’ouïe. Sous les mers a lieu une véritable guerre acoustique menée par ceux qu’on appelle les oreilles d’or.
À bord du navire, la présence de l’oreille d’or est cruciale pour identifier toutes les menaces alentours.
Possédant une ouïe extrêmement fine due à un entraînement intensif régulier, il est capable d’identifier un navire, la direction et la vitesse qu’il prend, rien qu’en l’écoutant…
Remerciements à Claire Eliot, Manuel Deneu, et Jean, l’oreille d’or.

@ Victor Gingembre

Victor Gingembre
Sculpteur
Molécules, Sculptures.
Lors du salon du meuble de Milan 2016, Victor Gingembre avait présenté « les petites Causeuses » trois chaises en marbre découpées les unes dans les autres à partir du même bloc.
Avec Molécules, Victor Gingembre continue ses recherches sur la notion d’imbrication. Il s’intéresse à l’essence de la vie, la formation embryonnaire, la morphogénèse : Génération des formes selon leurs positions dans l’espace.
Ludiques et constructives, Molécules questionnent l’individu et son ubiquité. Simples et manipulables, elles rappellent un jeu d’enfant. En se retournant, elles suggèrent trois représentations de la vie : un homme, un animal, une plante.
L’œuvre reconstruit la vie sur terre comme un puzzle de l’infiniment petit à l’infiniment grand. L’assemblage donne aussi naissance à une infinité de figures. Tandis que les pièces perdent leur individualité dans le collectif, elles gagnent de l’ordre, de la vigueur et du sens dans l’unité.
Comme des cellules d’un organisme vivant ou des vertèbres, elles s ‘articulent, s’étirent, se replient pour soutenir les autres. Elles respirent grâce au vide, se courbent sans se décrocher les unes des autres, ce qui donne une souplesse aux figures et l’illusion qu’elles sont toujours en mouvement.
Cette énergie s’accentue par la matière qui renvoie la lumière par ses cristaux. Le marbre pourtant bien pesant semble soudain si léger. Parfois continue, parfois interrompue, les veines du marbre répartissent l’énergie et la tension dans la forme. Avec ses couleurs naturelles, il peut surprendre par le contraste et exprimer des émotions diverses.
Molécules est une conception architecturale innovante. Les pièces auto-blocantes, s’empilent sans avoir besoin de support. On peut donc facilement composer des structures de très grande échelle. On peut construire des tours, des ponts, des serpents, des labyrinthes, des spirales, des murs, des claustras, des espaces imaginaires…

© Emeric Lhuisset

Emeric Lhuisset
Artiste visuel
À mes amis d’ailleurs, Installation.
Né en 1983, Emeric Lhuisset a grandi en banlieue parisienne. Il vit aujourd’hui entre le Moyen-Orient et Paris (France). Considérant son travail comme une retranscription d’analyses géopolitiques, détournant les codes, il nous interroge sur le réel et sa représentation.
Dans le cadre du festival 12×12 organisé par la Mairie du 12e arrondissement et au 100 ECS, Emeric Lhuisset présentera son projet À mes amis d’ailleurs.
Tandis que François Hollande appelait chacun à accrocher le drapeau français à sa fenêtre, que Facebook le proposait en filtre, beaucoup s’y refusèrent car l’image du nationalisme d’extrême droite reste trop persistante. Puis j’ai vu mes amis syriens, irakiens, afghans et bien d’autres l’arborer, ces amis qui vivent quotidiennement la guerre, qui souvent la fuient et se retrouvent sur la route des réfugiés.
J’ai pensé à cette image qu’ils en ont et à celle que bien souvent l’on en a… J’ai alors souhaité me réapproprier ce symbole équivoque, en l’abordant non comme un symbole nationaliste, mais comme un symbole culturel, celui d’une culture multiple, dont la richesse vient de ce brassage avec l’ailleurs, avec l’autre.

© François Ronsiaux

François Ronsiaux
Artiste Visuel
Ice Clock, Installation
Utilisant les technologies et matériaux contemporains, François Ronsiaux à la base photographe, crée des installations, performances, projets visuels et sonores à la limite de l’équilibre et dans des allégories de réappropriation des lois essentielles de la nature.*ICE CLOCK est une série d’Installations-sculptures mêlant création 3d et technologie réfrigérante dans un système autonome de création/destruction aléatoire d’iceberg. L’iceberg en suspension sous une cloche en verre fond en partie et se reconstitue cycliquement. Les « sculptures » modifient leurs formes et apparences en fonction des heures de la journée, de la saison et des conditions de température et d’hydrométrie, et développent des phases de condensation, brouillard ou d’inondation. Ice Clock est une allégorie fantasmagorique de la situation ambivalente de l’homme contemporain dans son environnement et de sa vision ambigüe du rapport Nature/progrès. Ces majestueuses montagnes de glace éphémères sont l’éther de l’impossibilité de contrôle des éléments en présence sous l’usure du temps, et symbolisent irrémédiablement la disparition, ou pour un esprit éclairé la transformation d’une forme vers une autre dans un esprit de rotation cyclique.

© Benjamin Landing

Benjamin Laading
Artiste Visuel
Enluminures, Bas-reliefs
A travers ses recherches sur la calligraphie, Benjamin Laading propose d’explorer pour cette exposition la signature, et particulièrement sa résonance dans la Maison de la RATP.
Chaque personne a sa manière de réaliser sa signature, un geste favori, que ce soit de la ponctuation, de l’accentuation, un soulignement ou un encerclement.
Cet élément gestuel, spontané et abstrait a une fonction de finition. Une fois la signature apposée, une composition naturelle se forme : le soulignement affirme, la ponctuation scelle, l’accentuation donne un statut ou une attitude, et l’encerclement démarque.
Tous ces gestes, Benjamin Laading souhaite les appliquer à l’espace architectural, interpréter les différentes surfaces, comme un espace qui s’affirme, analyser la « personnalité » d’une colonne, d’une entrée, d’un escalier…Mettre en lumière l’architecture.
En créant un parcours de bas-reliefs, Enluminures est une série de ces petits gestes agrandis qui viennent épouser l’architecture, une relation légère comme un flirt entre la peinture et l’architecture, une libre interprétation de l’espace.

© Marc Socié

Marc Socié
Artiste Visuel
Expression, sculpture.
La créativité de Marc Socié, sans cesse mise à l’épreuve, offre un univers unique en son genre. Étrange et angoissant, sombre mais onirique, il invite le spectateur à sonder son inconscient dans un ailleurs de l’autre coté du miroir.